arte - Wikilingue - Encydia
Nota: Para outros significados de Arte, vexa 
Arte (Latim Ars, significando técnica e/ou habilidade) xeralmente é entendida como a actividade humana ligada a manifestacións de orde estética, feita por artistas a partir de percepción, emocións e ideas, co obxectivo de estimular esas instancias de consciencia nun ou máis espectadores, dando un significado único e distinto para cada obra de arte.
Táboa de contido |
Definicións
A definición de arte varía de acordo coa época e a cultura. Pode ser separada ou non en arte rupestre, como é entendida hoxe na civilización occidental, da artesanía, da ciencia, da relixión e da técnica no sentido tecnolóxico.
Así, entre os pobos ditos primitivos, a arte, a relixión e a ciencia estaban xuntas na figura do xamã, que era artista (músico, actor, poeta, etc.), sacerdote e médico. Orixinalmente, a arte podería ser entendida como o produto ou proceso en que o coñecemento é usado para realizar determinadas habilidades.
Este era o sentido que os grego, na época clásica (século V a.C.), entendían a arte: non existía a palabra arte no sentido que empregamos hoxe, e si "tekné", da cal orixinouse a palabra "técnica" nas linguas neo-latinas. Para eles, había a arte, ou técnica, de se facer esculturas, pinturas, sapatos ou navíos. Neste sentido, é a acepção aínda hoxe usada no termo artes marciais.
No sentido moderno, tamén podemos incluír o termo arte como a actividade artística ou o produto da actividade artística. Tradicionalmente, o termo arte foi utilizado para se referir a calquera pericia ou maestria, un concepto que terminou durante o período romántico, cando arte pasou a ser visto como "unha facultade especial da mente humana para ser clasificada no medio da relixión e da ciencia".
A arte existe desde que hai indicios do ser humano na Terra. Ao longo do tempo, a función da arte ten sido vista como un medio de espelhar noso mundo (naturalismo), para decorar o día-a-día e para explicar e describir a historia e os diversos eus que existen dentro dun só ser (como pode ser visto na literatura), e para axudar a explotar o mundo e o propio home. Estilo é a forma como a obra artística se mostra, mentres que Estética é o ramo da Filosofía que explota a arte como fundamento.
Unha obra artística só se torna coñecida cando algo a fai ficar diante dun dos sentidos do ser humano. Os adiantos tecnolóxicos contribúen dunha forma colossal para crear accesibilidade entre a persoa que desexa gozar da arte e a propia arte. A persoa e a obra se unen entón, por diversos medios, como os radios (para a música), os museos (para pinturas, esculturas e manuscritos), e a televisión, que talvez sexa, entre eses itens citados, o que máis capacidade ten para levar a obra artística a un número grande de interesados, por utilizar diversos sentidos (visión, audición) e por utilizar tamén satélite. A propia Internet é fonte de transmisión entre a obra e o interesado, con sitios web (que distribúen E-books e por softwares especializados en conectar o computador do usuario a unha rede con diversos outros computadores.
Non obstante, exploradores, comerciantes, vendedores e artistas de público (palhaços, malabaristas, actor, etc.) tamén acostuman presentar ao público as obras, nos máis diversos lugares, de acordo con súas funcións. A arqueoloxía transmite ideas doutras culturas; a fotografía é unha forma de arte e está accesíbel por todos os cantos do mundo; e tamén por almanaques, enciclopédias e volumes en xeral é posíbel coñecer a arte e súa historia. A arte está por todos os cantos, pois non se restrinxe só nunha escultura ou pintura, mais tamén en música, cinema e danza.
O ser que fai arte é definido como o artista. O artista fai arte segundo seus sentimentos, seu vontade, seu coñecemento, súas ideas, súa creatividade e súa imaxinación, o que deixa claro que cada obra de arte é unha forma de interpretación da vida.
A inspiración sería o estado de consciencia que o artista atinxe, no cal ve a percepción, a razón e emoción encóntranse combinados de forma parte para realizar súas mellores obras. Sería o insight dalgunhas teorías da psicoloxía.
Ernst Gombrich, famoso historiador de arte, afirmou que nada existe realmente a que se poida dar o nome de Arte. Existen soamente artistas.
Arte é un fenómeno cultural. Regras absolutas sobre arte non sobreviven ao tempo, mais en cada época, distintos grupos (ou cada individuo) escollen como deben comprender ese fenómeno.
Arte pode ser sinônimo de beleza , ou dunha beleza transcendente. Desa forma, o termo pasa a ter un carácter subjetivo, calquera cousa pode ser chamada de arte , desde que alguén a considere así, non precisando ser limitada á produción feita por un artista. Como foi mencionado, a tendencia é considerar o termo arte só relacionado, directamente, á produción das artes plásticas.
Os historiadores de arte buscan determinar os períodos que empregan certo estilo estético, denominándoos por 'movementos artísticos'. A arte rexistra as ideas e os ideais das culturas e etnias, sendo así, importante para a comprensión da historia do Home e do mundo.
Formas artísticas poden extrapolar a realidade, esaxerar cousas aceptas ou simplemente crear novas formas de se observar a realidade.
Nalgunhas sociedades, as persoas consideran que a arte pertenza á persoa que a creou. Xeralmente consideran que o artista usou o seu talento intrínseco na súa creación. Esa visión (xeralmente da maior parte da cultura occidental) reza que un traballo artístico é propiedade do artista. Outra maneira de se pensar sobre talento é como se fose un don individual do artista. Os pobos xudeus, cristiáns e musulmáns posúen esta visión sobre a arte.
Outras sociedades consideran que o traballo artístico pertenza á comunidade. O pensamento é levado de acordo coa convicción de que a comunidade deu ao artista o capital social para o seu traballo. Nesa visión, a sociedade é un colectivo que produce a arte a través do artista, que a pesar de non posuír a propiedade da arte, é visto con importancia para súa concepción. Existen contradicións canto á honra ou ao gústame pola arte, indicando así o tipo de moral que a sociedade exerce.
Tamén pode ser definida, máis xenericamente, como o campo do coñecemento humano relacionado á creación e crítica de obras que evocan a vivencia e interpretación sensorial, emocional e intelectual da vida en todos os seus aspectos.A certa essencia da arte e a de o artista poder transformar a realidade de acordo con seus ideais e pensamentos.
Utilidade
Unha das características da arte é a dificultade que se ten en revisarlle utilidade. Moitas veces esta dificultade en encontrar utilidade para a arte mascara prexuízos contra a arte e os artistas.
O que debe ser lembrado é que a arte non posúe utilidade, no sentido pragmatista e imediatista de servir para un fin alén del mesmo. Así, un cadro non "serve" para outra cousa, como un deseño técnico, como unha planta de enxeñaría, por exemplo, serve para que se constrúa unha máquina. Mais iso non quere dicir que a arte non teña unha función.
A arte posúe a función transcendente, ou sexa, manchas de tinta sobre unha tea ou palabras escritas sobre un papel simbolizan estados de consciencia humana, abranguendo percepción, emoción e razón (segundo Charles S. Peirce, fundador da semiótica). Esa sería a principal función da arte.
A arte tamén é usada por terapeutas, psicoterapeutas e psicólogos clínicos como terapia. Nise da Silveira foi unha importante psiquiatra brasileira, alumna de Carl Jung, que utilizou con logro en seus pacientes, a partir de 1944, a arte a partir da terapia ocupacional. Grazas a este traballo, fundou o Museo do Inconsciente, en 1952, no Río de Xaneiro.
Paul McCartney, ex-Beatle, di que a música é capaz de curar. El afirmou que nunha de súas visitas a un hospital que realiza tratatamento de autistas , estes respondían cando se dedilhava algo no violão. Sábese que as persoas vítimas de autismo responden moito pouco a estímulos externos, de acordo co grao de autismo.
A arte pode traer indicios sobre a vida, a Historia e os costumes dun pobo, inclusive dos pobos e nacións xa extinguidos. Así, coñecemos varias civilizacións por medio de súa arte, como a exipcia, grego antiga e moitas outras. A Historia da Arte é a disciplina que estuda as manifestacións artísticas da humanidade a través dos séculos.
Grafite e outros tipos de arte de rúa son gráficos e imaxes pintadas por spray. San vistos polo público en paredes de edificios, en ómnibus, trens, pontes e, normalmente sen permiso do goberno. Este tipo de arte forma parte de diversas culturas xuvenís. Nos EUA, na cultura hip-hop, son comumemente usadas para a expresión de opinións sobre política, e outras veces traen mensaxes de paz, de amor e unión.
A arte, como calquera outra manifestación cultural humana, pode ser utilizada para a cohesión social, reafirmando valores, ou os criticando.
Así, a arte é utilizada como instrumento de moraliza ção, doutrinação política e ideolóxica, así como ferramenta na educación en varios campos do coñecemento, desde o ensino básico até o adestramento de funcionarios en empresas. Segundo a sistematização de coñecemento artístico e fisiológico sobre o funcionamento do cerebro realizado por Betty Edwards, principalmente a partir de súa obra Deseñando co lado dereito do cerebro, as habilidades artísticas son rexidas polo lado dereito do cerebro, e a lóxica e outras habilidades ligadas á racionalidade son rexidas polo lado esquerdo. A utilización da arte como ferramenta pedagóxica sería unha forma de utilizar os dous lados do cerebro, de forma complementaria para un aprendizado máis eficaz.
As obras de arte tamén poden facer críticas a unha sociedade. Les Misérables, de Victor Hugo, é un exemplo de obra literaria que critica a sociedade francesa do inicio do século XIX. A obra do pintor español Goya, Os fuzilamentos de 3 de maio é outro exemplo diso.
A interpretación da obra depende do observador. Por tanto, inversamente a propia subjetividade da arte demostra a súa importancia no sentido de facilitar o troco e discusión de ideas rivais, ou para prestar un contexto social en que distintos grupos de persoas poidan reunir e mesturarse.
Formas, xéneros, mídias, e estilos
Ver artigo principal: As artes creativas son moitas veces divididas en máis categorías específicas, tales como artes decorativas, artes plásticas, artes do espectáculo, ou literatura. Así, por exemplo, pintura é unha forma de arte visual, e a poesía é unha forma de arte literaria.
Unha forma de arte é unha forma específica de expresión artística para tomar, é un termo máis específico do que arte en xeral, mais menos específico do xénero.
Algúns exemplos inclúen:
As mídias (medios) para unha obra de arte ser contruída son as máis diversas. Precísase de materiais propicios para ela ser realizada polo artista. Así, por exemplo, pedra e bronce son dúas mídias capaces de contruir unha obra de arte, como, no caso, unha escultura. A música e a poesía usan o son, a pintura usa tintas, teas, cores, óleo.
Un xénero artístico é o conxunto de convencións e estilos dentro dunha forma de arte e mídia. Por exemplo, o Cinema posúe unha gama de xéneros: filmes occidentais, filmes de horror, comedia, novela. É así tamén na literatura. Na música, hai centenares de xéneros musicais, que varían de rexión, cultura e etc., e van desde rock, até Mpb. Na pintura, as correntes de artistas (como o Naturalismo), inclúen paisaxe ou cotián (rúas, persoas en súas actividades diarias, etc.).
As estruturas compositivas dunha obra (arranxo de formas, cores, ritmo, texturas, e liñas) son as estruturas que expresarán as ideas e as emocións que a obra pasar, segundo os ollos do espectador. Diante dun cadro, cada espectador terá unha sensación, de acordo con súa disposición, seus coñecementos e seus gostos.
Imaxínese que vostede é un crítico de arte cuxa misión consiste en comparar os significados que vostede encontra nunha ampla gama de distintos traballos artísticos. Como vostede irá executar súa misión? Unha maneira de comezar o traballo é separar, por grupos, que tipo de mídia úsase en cada traballo artístico: é un vídeo?, é a través do son?, é pola escrita?, e así por diante. Os materiais dunha arte son tan importantes canto a arte en si; un exemplo é unha escultura que foi realizada con bronce: ela non ten a mesma estética dunha escultura que fóra realizada á pedra, aínda que a forma sexa a mesma. Así, outro exemplo é unha música que utiliza guitarras: o son desta música non será o mesmo dunha música que só utilice piano, aínda que a melodía continúe sendo a mesma. Por tanto, sendo un crítico de arte cuxa misión é comparar os significados de cada obra artística, hai un outro paso interesante: vostede pode analizar a forma como os materiais en cada obra tornáronse a arte pronta. O sfumato, na Mona Lisa, deu un toque especial no rostro da figura pintada no cadro. Analizar como cada material é importante para a composición da obra, é unha forma de coñecer máis profundamente a obra.
Mais, no final, vostede iría concluír que a maioría das obras de arte non son un conxunto de materiais e mídias, e estética. Cada obra de arte é máis que iso, pois os materiais son utilizados de acordo coa técnica de cada artista e, no final, súas interpretacións envolverían tamén unha discusión sobre ideas e sentimentos que o traballo artístico quixen propor.
Arte: clase e valor
A arte é entendida por algúns como unha pertenza de só algunhas clases sociais, principalmente das máis ricas. Esta definición exclúe a clase inferior, en cuestión financeira. Nese contexto, a arte é vista como unha actividade de clase superior asociada á riqueza, a capacidade de venda e compra de arte, o lecer e o pracer para gozar dunha obra. Por exemplo, o Palacio de Versailles ou o Hermitage, en San Petersburgo, con súa vasta colección de arte, acumuladas pola realeza da Europa exemplificam esta visión. Recadando tal arte é o de preservar o rico, ou de Gobernos e institucións.
Non obstante, ten habido un empurrón cultural na outra dirección, polo menos desde 1793, cando o Louvre, que fora un palacio privado dos Reis de Francia, foi aberta ao público como museo de arte durante a Revolución Francesa. A maioría dos museos públicos modernos e arte programas educacionais para os nenos nas escolas pode ser rastreada até este impulso de mostrar a arte a todos. Nos Estados Unidos, hai museos de todos os tipos: dos máis ricos, até os máis públicos, como acontece no Brasil, e en Portugal .
Hai tentativas de crear arte que non poden ser compradas polos ricos, como se fosen obxecto dun estatuto. Ao final dos anos 1960 e 1970 foi xustamente isto: crear arte que non podía ser comprada e/ou vendida. "É necesario presentar algo máis do que meros obxectos", dixen que o gran artista pos-guerra alemán Joseph Beuys. Este período viu o surgimento de cousas como arte performática, vídeo arte e arte conceptual. A idea era que, se o traballo artístico foi un desempeño que iría deixar nada para tras, ou era simplemente unha idea, non podía ser comprada e vendida.
Moitas desas performances de crear obras que son só comprendido pola elite, resultaron nas razóns polas cales unha idea ou vídeo ou un aparente "pedazo de lixo" pode ser considerado arte.
Historia
- O método formalista máis antigo, entende que a obra de arte se dá polas formas e súa comprensión tamén.
- O método histórico entende que a obra de arte é un traxe histórico, por tanto reflexo e acción nun determinado contexto histórico.
- O 'método sociológico entende a obra de acordo co estudo da sociedade a cal ela pertence.
- O método iconográfico entende a obra polos ícones e símbolos que ela carga.
Se formos analizar a arte ao longo da historia, podemos comezar pola Arte da Pre-Historia, que é o período onde se mostran as primeiras demostracións de arte que se ten noticia na historia humana. Retrataban animais, persoas, e até sinais. Había escenas de cazarías, de especies extinguidas, e en distintas rexións. A pesar do desenvolvementos primitivo, pódense distinguir distintos estilos, como pontilhado (o contorno das figuras formado por puntos espaçados) ou de contorno continuo (cunha liña continua marcando o contorno das figuras). A pesar de seren vistas como mal-feitas e non-civilizadas, as figuras poden ser consideradas un exemplo de sofisticação e innovación para os recursos na época. Non existen moitos exemplos de arte-rupestre preservada, mais con certeza o máis famoso deles é o das cavernas de Lascaux , na Francia.
Se pularmos un bocado, chegaremos á Arte do Antigo Exipto, o escenario para unha das máis interesantes descubrimentos do ser humano. A arte exipcia, á semellanza da arte grega, apreciaba moito as cores. As estatuas, o interior dos templos e dos túmulos eran profusamente colorados. Porén, a pasaxe do tempo fixo que se perdesen as cores orixinais que cubrían as superficies dos obxectos e das estruturas.
.
Os creadores do legado exipcio chegan aos nosos días anónimos, sendo que só en poucos casos se coñece efectivamente o nome do artista. Tan pouco se sabe sobre o seu carácter social e persoal, que se cre talvez nin existir tal concepto no grupo artístico de entón. Por regra, o artista exipcio non ten un sentido de individualidade da súa obra, el efectúa un traballo consoante unha encomenda e requisições específicas e raramente asina o traballo final. Tamén as limitacións de creatividade impostas polas normas estéticas, e as esixencias funcionades de determinado empreendimento, reducen o seu campo de actuación individual e, xuntamente co feito de ser considerado un executor das ganas divinas, fan do artista un elemento dun grupo anónimo que leva a cabo algo que o transcende.
As grandes tradicións na arte teñen un fundamento na arte dunha das grandes civilizacións antigas: Antigo Egito, Mesopotâmia, Pérsia, India,China, Grecia Antiga, Roma, ou Arábia (antigo Iêmen e Omã). Cada un destes centros de inicio civilización desenvolveu un estilo único e característico de facer arte. Dada a dimensión e duración desas civilizacións, máis das súas obras de arte teñen sobrevivido e máis da súa influencia foi transmitida a outras culturas e tempos máis tarde. O período da arte grega viu unha veneración da forma física humana eo desenvolvemento de competencias equivalentes para mostrar musculatura, pose, beleza e anatomia en xeral.
A arte gótica xurdiu tempos despois, xa na Arte pre-românica. Os monumentos construídos nesa época marcaron todo un modo especial de crear arquitetura e desenvolveu métodos preciosos e estilos definidos como sombríos e macabros.
A Arte Bizantina e a gótica da Idade Media occidental, mostraron unha arte que centrouse na expresión das verdades bíblicas e non na materialidade. Alén disto, enfatizou métodos que mostran a gloria en mundos celestes, utiliando o uso de ouro en pinturas, ou mosaicos.
A Renascença occidental deu un retorno á valorização do mundo material, ben como o local de seres humanos, e mesmo esa mudanza paradigmática é refletida nesa arte, o que mostra a corporalidade do corpo humano, ben como a realidade tridimensional da paisaxe.
Os occidentais do Iluminismo o século 18 facían representacións artísticas de modo físico e racional sobre o Universo, ben como visións dun mundo pos-monarquista, como a pintura que William Blake fixo dun Newton divino. Isto reforzou a atención ao lado emocional e á individualidade dos seres, exemplificados en moitas novelas de Goethe . O século 19, axiña, viu unha serie de movementos artísticos, tales como arte académica, simbolismo, impressionismo, entre outros.
O aumento de interacción global durante este tempo fixo unha gran influencia doutras culturas na arte occidental, como Pablo Picasso sendo influenciado pola cultura da África. Do mesmo modo, o Occidente ten tido enorme impacto sobre arte oriental o século XIX e o século XX, con ideas occidentais orixinalmente como comunismo e Pos-Modernismo exercendo forte influencia sobre estilos artísticos.
O Modernismo baseouse na idea de que as formas "tradicionais" das artes plásticas, literatura, design, organización social e da vida cotiá tornáronse superados, e que facíase fundamental deixalos de lado e crear no lugar unha nova cultura. Esta constatação apoiou a idea de re-examinar cada aspecto da existencia, do comercio á filosofía, co obxectivo de pensar o que serían as "marcas antigas" e substituílas por novas formas, e posibelmente mellores, de se chegar ao "progreso". En essência, o movemento moderno argumentaba que as novas realidades do século XX eran permanentes e inminentes, e que as persoas deberían se adaptar as súas visións-de-mundo a fin de aceptar que o que era novo era tamén bo e belo. No modernismo, xurdiu varios estilos, os máis destacados son Expressionismo, Simbolismo, Impressionismo, Realismo, Naturalismo, Cubismo e Futurismo, aínda que fosen desenvolvidos diversos outros.
Actualmente, na Arte Contemporánea (xurdida na segunda metade do século XX e que se alonga até os días actuais), encontramos, entre outros estilos secundarios, a Pop Art.
Características
A arte tende a facilitar a comprensión intuitiva, en vez de racional , e normalmente é, conscientemente, creada con esta intención. As obras de arte son imperceptíveis, escapan de clasificación, porque elas poden ser apreciadas por máis dunha interpretación.
Tradicionalmente, os maiores logro artísticos demostran un alto nivel de capacidade ou fluência dentro doutras obras, por iso se destacan.
Habilidade
A arte pode utilizar a imaxe para conmover, emocionar, conscientizar; ou palabras profundas para se apaixonar por un correcto poema ou libro. Basicamente, a arte é un acto de expresar nosos sentimentos, pensamentos e observacións. Existe un entendemento de que é alcanzado co material, como resultado do tratamento, o que facilita o seu proceso de entendemento.
A opinión común di que para se facer unha arte que teña como resultado unha obra de calidade, é preciso unha especialización do artista, para el alcanzar un nivel de coñecemento sobre a demostración da capacidade técnica ou dunha originalidade na abordaxe estilística. Notamos nas pezas de Shakespeare unha profunda análise de psicoloxía sobre os personaxes, como en Hamlet .
As críticas canto á algunhas obras, débese moitas veces, segundo o crítico, á falta de habilidade ou capacidade necesaria para a produción do obxecto artístico. Habilidade e capacidade necesaria para a produción do tal obxecto son dous itens completamente importantes. No entanto, é importante definir que nin toda obra de arte vale a través da arte. Vemos, como exemplo, a obra My Bed, da artista británica Tracey Emin. A cama demostra desorganização. A artista usou pouco ou ningún recoñecido tradicional de conxunto de competencias, aínda que demostrase unha nova habilidade (distinta do máis común, que sería unha cama arrumada).
A montaxe dos materiais dunha obra require técnica e creatividade e tamén coñecemento. Un exemplo é un dramaturgo ter en mente que o material que usará para crear súa peza de teatro será a palabra e un aprofundamento sobre as personaxes, o enredo e etc. Despois disto, basta usar toda súa creatividade e coñecemento para ir moldeando o texto da peza.
Estética
A beleza dunha obra tórnaa máis destacada cando é comparada ás outras. O material usado polo artista e súas técnicas son o que tornan unha obra de arte bonita, cunha boa aparencia. Non obstante, é importante destacar novamente a obra My Bed, de Tracey Emin, onde a cama non posúe unha beleza común, aínda que presente unha situación.
A estética é fundamental nunha obra de arte. Vemos como exemplo a arquitetura con seus edificios majestosos, grandes, esbeltos, o que fai que as persoas admiren. Así é tamén cun bo conto, en cuestión de literatura, e cunha boa pintura. Como xa foi falado, o material usado é o que irá mostrar a beleza da arte.
É importante ter un estudo máis profundo sobre a estética. Conseguimos iso separando cales conceptos forman a estética, a comezar pola beleza. A beleza é unha percepción individual caracterizada normalmente polo que é agradábel aos sentidos. Esta percepción depende do contexto e do universo cognitivo do individuo que a observa. O belo depende moito da sociedade e de súas crenzas. Un exemplo disto é o cadro Abaporu, de Tarsila do Amaral. Para ela, a figura do cadro era un monstro e para a maioría da xente. Mais por quê? Será que por que non corresponde ao padrão de beleza da nosa sociedade? Na época de Leonardo da Vinci, as mulleres eran tidas bonitas cando eran rechonchudas. Exemplo disto é a Mona Lisa.
Outro aspecto da estética é o equilibrio. O equilibrio se encontra cando todos os elementos que compón a imaxe están organizados de tal forma que nada é enfatizado, todos pasando unha sensación de equilibrio visual. O equilibrio é máis utilizado nas pinturas. O que influencia o equilibrio son as cores, as imaxes, as superficies, os tamaños e as posicións dos itens presentes na pintura, ou nunha outra arte plástica. Reflita sobre un cadro cuxo deseño sexa un horizonte, o pór do sol e un lindo mar refletindo a luz alaranjada do sol. No fondo do mar, hai un enorme navío, case ocupando todo o espazo do cadro. Esta figura, o navío, dá ou non dá equilibrio á pintura como un todo? Se non, o que sería necesario facer para dar máis equilibrio? Por cal motivo a figura do navío é enorme?
Harmonía é relacionada á beleza, á proporción e tamén á orde. Un exemplo, é a música: todos os ritmos precisan estar ben delineados, ben ordenados para que haxa unha harmonía, unha beleza no son. Canto ao design, podemos definir harmonía como efecto da composición de formas, non de maneira aleatória, mais de modo que contornos e enchimentos sexan ben definidos, variando segundo un grao de importancia pre-estabelecido e se relacionando ao esquema xeral da organización do obxecto. Este obxecto pode ser un cadro, un sitio web, en fin, calquera entidade que estea sendo composta por partes (engrenagens) menores.
Na escultura e na arquitetura, a forma tamén é unha das cousas máis importantes. Nas esculturas de Michelangelo, ou nas de Rodin, como, por exemplo, Davi, notamos que é un ser alí esculpido e este ser posúe un corpo. Por tanto, a forma do corpo precisa ser ben definida, ben adquirida para que se asemelle a un corpo humano. No entanto, se o escultor for esculpir un monstro, como exemplo, é preciso haber a mesma cousa, aínda que el teña en mente un corpo totalmente distinto do común.
O que define unha obra como estéticamente bonita e importante, alén dos recursos que fóra usado nela e de súas técnicas, é tamén seu valor, o que veremos a seguir.
Valor
Unha outra característica da arte é o valor[1]. Esta vén despois de súa realización polo artista. É cando xa está exposta ao público. Aquí, non é discutido especialmente a estética, e si o valor relacionado a importancia da obra, segundo a maioría. Podemos exemplificar ese raciocinio coa seguinte pregunta: por cal motivo o cadro Mona Lisa ten un gran valor? Ou até mesmo: por que as obras de Shakespeare son tan famosas e tidas como as mellores do mundo? E até: por que varias músicas do Beatles son tan prestixiosas?
Para comezar, é importante relacionar cales elementos tornan unha obra de arte tan glamurosa. Canto á Mona Lisa e as pezas de Shakespeare , podemos notar algo semellante: un elemento novo até entón. Por exemplo: na Mona Lisa, hai o sfumato. Nas pezas máis famosas de Shakespeare, hai técnicas ímpares para o teatro, como, p. exemplo, en Hamlet : o teatro no teatro. As músicas dos Beatles posúen ritmos e melodías pioneiros. Mais será que é só un elemento novo que fai unha obra ficar en destaque?
Alén da distribución e divulgación dunha obra, cousas que contribúen bastante para a súa fama, hai tamén un outro item: a forma como a obra é creada e, así, como ela sobrevive despois de anos. Este item é máis aplicado na literatura, onde diversas novelas permanecen prestixiosos mesmo despois de moito tempo escritos, por teren un valor social e emocional aínda moi presente no ser humano, como as pezas de Shakespeare.
Alén disto todo, cando unha obra influencia outras por conter cousas novas e cando esa mesma obra posúe aspectos que atraian o espectador por algún motivo (sexa motivacional, de reflexión, ou outro), ela entón se torna valiosa polos que lle gustou.[2]
Ver tamén
- Trattato della Pittura por Leonardo da Vinci
Bibliografia
- GOMBRICH, Ernst H. A historia da arte; São Paulo: LTC. Editora, 2000; ISBN 85-216-1185-4
- ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna.
Referencias
Conexións externas
- Informacións sobre distintos estilos artísticos e os períodos históricos correspondentes (en inglés )
- Visual Arts Data Service (VADS) Colección online de museos, galerias e universidades do Reino Unido (en inglés )
- Artigo sobre o significado da Arte na India Antiga na páxina da revista Frontline (en inglés )
mhr:Сымыктышmwl:Arte
